10 astuces pour réussir vos photos de spectacle


La photographie de spectacle est un domaine bien particulier. Les conditions changeantes et imprévisibles de l’éclairage de scène peuvent déstabiliser les photographes les plus expérimentés. Que ce soit un concert rock, une pièce de théâtre ou un concert classique, voici 10 conseils pour que vos photos ressortent du lot.

1.Location.location.location.

Trouvez le meilleur endroit pour prendre vos images et évitez de rester près des autres photographes. Trouvez votre propre point de vue. Plus vous connaissez l’espace, plus vous serez efficace dans vos déplacements. Faites du repérage avant l’événement, discutez avec les propriétaires de la salle pour des accès privilégiés. Il est certain que les stades et les amphithéâtres ont des règles très strictes, mais pour les événements de moins grandes envergures, connaître la salle aura un impact direct sur la qualité de vos images.

2.Objectifs, lesquels choisir.

Beaucoup d’options s’offrent à vous. Le style de photographe que vous êtes influencera grandement votre choix. L’option la plus commune est de couvrir l’angle de vue le plus vaste possible. Si vous utilisez un 24-70 F/2.8 et un 70-200 f/2.8, vous êtes couvert. La grande ouverture est primordiale. Vous pouvez aussi opter pour deux objectifs fixes et assumer le style lié à ces objectifs. Si vous êtes près de la scène, optez pour une option grand-angle avec un objectif 24mm et un 50mm pour rapprocher légèrement le sujet. Sinon, aller dans les opposés. Vous devrez vous déplacer entre l’avant et le fond de la salle avec un 35mm et un 135mm. L’important est de d'avoir toujours une grande ouverture et au moins un deuxième objectif pour varier vos plans.

3.Utilisez deux appareils.

Tout est question de vitesse et d’efficacité en photo de spectacle donc un deuxième boitier est un atout. Vous devenez automatiquement beaucoup plus versatile. Changer d’objectif dans le noir demande plusieurs étapes et faits perdre du temps. Avec deux appareils, vous couvrez un vaste angle de vue et vos options de composition sont illimitées. Dépendamment de votre position dans la salle, vous devez choisir entre une approche grand-angle ou plus téléobjectif

4.Ouverture maximum

La lumière étant limitée, une grande ouverture de diaphragme permet de capter le maximum de la lumière disponible. Pour les objectifs fixes, plusieurs ont une ouverture maximale de 1,4 tandis que les zooms se rendent jusqu’à 2.8. Soyez vigilant, car une si grande ouverture réduit grandement la profondeur de champ (zone de netteté). Comme vous êtes dans une situation d’action, vous avez à gérer des sujets aux mouvements rapides et imprédictibles, donc les chances de rater votre mise au point sont augmentées.

5.Vitesse rapide

Comme pour toute photographie d’action, vous devez utiliser une vitesse d’obturation rapide pour figer le mouvement. Le problème est que vous vous trouvez dans une situation où la lumière est très limitée. Vous devez choisir vos réglages sagement. 1/200 de seconde vous assure une image nette et bien figée. Une vitesse plus basse augmente les risques de flou de bouger. Selon l’éclairage, une vitesse légèrement plus basse peut avoir des résultats artistiques intéressants. Si vous photographiez un guitariste par exemple, les mouvements des bras sur la guitare sont beaucoup plus rapides que le reste du corps du musicien, vous avez donc une combinaison de floue et de figée intéressants. Donc, plus vous maitrisez les effets de vitesse, plus vous pouvez les combiner pour créer des effets uniques.

6.Utilisez une ISO élevée

Selon la performance de votre appareil, l’ISO peut être réglée à de très haute sensibilité. La qualité d’image des ISO élevées est un des réglages où la technologie a le plus évolué dans les dernières années. Le problème avec l'ISO élevée est le bruit numérique. Heureusement, plusieurs appareils récents peuvent se rendre à 10 000 ISO avec un bruit tout à fait acceptable. À cette sensibilité, il devient beaucoup plus simple de gérer les vitesses et les ouvertures. Pour les adeptes du noir et blanc, sachez que le bruit numérique est beaucoup moins dérangeant, voire même intéressant. Le style monochrome donne un aspect plus documentaire. À vous de choisir votre style!

7.Mode manuel ou mode semi-automatique?

Les modes semi-automatiques peuvent réduire le stress de vos premiers concerts. Vous réglez votre vitesse et l’appareil s’occupe du reste ou vice versa. Comme tout mode automatique les calculs de l’exposition peuvent être erronés. C’est une bonne façon de se familiariser avec les fonctions de base et en comprendre leurs effets, tout en maîtrisant le mode manuel. Ainsi vous aurez un résultat précis ou vous serez en contrôle total. Le posemètre de l’appareil est un guide. On peut s’y fier, mais il ne donne pas une vérité absolue. Votre choix de surexposer ou sous-exposer une photo est votre interprétation de la scène et votre signature visuelle.

8.Monopied, flash et autres accessoires.

L’utilisation du flash est interdite dans la plupart des établissements. Le flash peut aussi détruire l’ambiance de l’éclairage de la scène. Toujours s’informer à l’avance si l’utilisation du flash est permise. Le monopied est très utile puisque le poids de votre équipement peut vous déconcentrer, il vous offrira une stabilité supplémentaire, vous libérera du poids de l’appareil, surtout si vous avez deux boitiers. Parlant de poids, des courroies confortables rendront votre expérience beaucoup plus agréable.

09.Mode rafale et autofocus

Le mode rafale ne devrait pas être un mode par défaut. Son utilisation est très utile si vous voulez créer une série d’images. Un saut épique à partir de la batterie ou un mouvement rock grandiose; la rafale vous servira. Assurez vous que le type d’autofocus soit en mode « servo » ou « continue » pour de telles séquences. Ce mode suivra le sujet peu importe son mouvement, ce qui est essentiel pour des scènes d’action rapide.

10.Composition originale

Pour vous démarquer en photographie, vos photos doivent sortir de l’ordinaire pour avoir de l’impact. Si vos photos ne captent pas l’ambiance du moment, de l’endroit et l’expression du sujet, le photographe a failli à sa tâche. Vous devez vous poser la question « qu’est-ce qui rend cette salle particulière? » ou « est-ce qu’il y a un point de vue plus intéressant? ». Posez-vous constamment la question « est-ce que cette photo est exactement ce que j’avais en tête? ». Si la réponse est non, continuez de photographier.

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